В 1990-е годы в российском театральном мире произошли значительные изменения, которые стали зеркалом происходившего в стране. Об истории отечественной драматургии от момента распада СССР по сегодняшний день в лекциях 18 и 19 ноября в Ельцин Центре рассказал Дмитрий Тарасов — преподаватель, драматург и арт-директор конкурса новой драматургии «Ремарка».
По его мнению, в 1990-х российские драматурги рефлексировали на тему трансформации советского человека в постсоветского и пытались найти что-то новое. В нулевых в театральном пространстве появился нарратив веры — не только религиозной, но и, например, веры в будущее. А в 2010-х годах центральным сюжетом стала тема насилия.
После лекций состоялись тренинги по написанию этюда на заданную тему, которые провела драматург, сценарист и ещё один арт-директор «Ремарки» Тоня Яблочкина. Она поговорила с гостями о том, как выбрать тему своего произведения и как работать с драматическим текстом.
В рамках конкурса «Ремарка» в Ельцин Центре в течение трёх месяцев по выходным эксперты со всей России будут проводить парные лекции, в которых расскажут о детском и подростковом театре, современной драматургии и новых театральных жанрах. Каждая встреча состоит из теоретической и практической частей.
Перелом 1990-х
Прежде чем перейти к основной части лекции, Дмитрий Тарасов отметил, что под определение «классического театра» могут подпасть абсолютно разные явления: пьесы Николая Островского из XIX века, шестидесятнические постановки Александра Вампилова или вовсе произведения, дошедшие до нас из Древней Греции. Аналогичным образом, уверен эксперт, не существует и «современного» театра, поскольку он представлен различными авторами со своими подходами.
— Разделение на «классический» и «современный» театр в истории драматургии в России условно, оно проходит через 1990-е годы и сопряжено с переменами в стране. После этого переломного периода театр стал иным: всё, что для нас сейчас привычно в театральном мире, возникло в девяностых и нулевых, — сказал Дмитрий Тарасов.
В период СССР в отечественной драматургии был развит жанр «производственной драмы», но не было направлений, которые переворачивали театральный мир за «железным занавесом»: театра абсурда, перформанса и других экспериментальных форм. В 1990-е годы всё это пришло к нам, и так резко, что 70 лет отставания в театральных практиках удалось наверстать за десятилетие, считает лектор. По его мнению, российский театр в этот период стал пост-драматическим.
Также в 90-е в России появились театральные лаборатории и фестивали, которые прошли проверку временем и стали очень значимыми в профессиональной среде. Ещё одно важное изменение — возникли новые тесные связи между участниками театрального процесса. Появились драматурги, которые «обслуживают» конкретных режиссёров. А региональные театры перестали быть «зашкваром» и начали приглашать к себе столичных мастеров, что обогатило театральное пространство, отметил эксперт.
Свобода слова как свобода формы и заработка
— В 90-е в театральную среду, как и в другие сферы жизни общества, пришла свобода слова. Однако она отразилась скорее на форме, чем на содержании постановок, — считает лектор. — Если на Западе театральные события были призваны отражать текущие проблемы общества, российский зритель привык приходить в театр, чтобы от неё отвлечься. К примеру, в 1990-е не появилось ни одной пьесы про войну в Чечне.
Также в девяностые появился жанр антрепризных спектаклей. Формат предполагает, что известные актёры собираются, берут известную постановку и едут на «чёс». А зрители приходят в театр, чтобы увидеть своих любимых артистов. По словам Дмитрия Тарасова, жанр стал не только популярным, но и очень прибыльным: из расходов лишь аренда зала и минимальные декорации.
— Антрепризный театр стал следствием появления более доступных видов досуга, в первую очередь телевидения и телесериалов. Ты посмотрел «Улицы разбитых фонарей», его «звезда» приезжает в ваш город со спектаклем, условно, «Валентин и Валентина», и ты обязательно на него пойдёшь, — комментирует лектор.
В 1990-е годы также появилось множество театральных студий, с которых начались многие современные театры. Это было последствие «битвы» репертуарных театров против «прогрессивных» театральных студий, которая началась ещё в 1980-е. Плюс начали выходить независимые журналы «Современная драматургия» и «Драматург», где могли издаваться новые авторы.
Вместе с тем в театре 1990-х чувствовался острый дефицит молодых режиссёров и драматургов. В 2001 году состоялась Всемирная Театральная олимпиада в Москве, на которую съехались деятели со всего мира. И Россия обнаружила, что самым молодым режиссёром на тот момент был 40-летний Сергей Женовач. По словам Дмитрия Тарасова, Олимпиада подытожила девяностые и обозначила необходимость в изменениях и новых именах.
Дмитрий Тарасов признал, что это обобщение может быть грубым, — молодые режиссёры могли работать в любительских театральных коллективах или студиях. Однако официальные репертуарные театры ограничивали доступ молодых режиссёров на руководящие посты.
Фестивали как лифты для театралов
Лифтами для молодых драматургов и режиссёров стали возникшие в 1990-е театральные фестивали: творческие мастерские СТД, «Любимовка», «Золотая маска», фестиваль Net, «Реальный театр» в Екатеринбурге, Театр.doc, «Ремарка».
Фестиваль молодой драматургии «Любимовка», проводимый с 1990 года, является старейшим и наиболее значимым для современного театра, он сформировал практически весь драматургический пласт постсоветской России, утверждает Дмитрий Тарасов.
Михаил Угаров сделал значительный вклад в развитие документального театра, создав Театр.doc. Этот жанр предполагает использование документальных материалов, вербатимов и интервью с обычными людьми для создания спектаклей. Документальный театр стал способом говорить о современных проблемах и общественных вопросах, а не только о вечных темах.
А в Екатеринбурге Олег Лоевский организовал фестиваль «Реальный театр», где молодые режиссёры могли развивать свои навыки и творчество. В рамках «Реального театра» впервые начали появляться театральные лаборатории — явление, которого до этого в стране не было.
Вклад уральской школы драматургии в развитие театральной культуры в России
По словам Дмитрия Тарасова, в России исследователями выделяется четыре мощных театральных центра: Москва, Санкт-Петербург, Екатеринбург и Тольятти, в котором драматург Вадим Леванов взрастил целую плеяду мэтров современной драматургии.
Аналогичным образом уральская драматургия держится на плечах Николая Коляды, который создал мощный «лифт» для молодых авторов в профессию. Во-первых, у этого драматурга вышло 15 томов собственных произведений. Во-вторых, он одним из первых создал свой театральный класс, выпускников которого ставят по всей стране и за рубежом.
— Это очень важная штука: один человек взрастил множество учеников, которые повлияли на российскую драматургию в целом, — говорит лектор. — Среди них Василий Сигарев, Ярослава Пулинович, Олег Богаев. Екатеринбург благодаря этим именам точно в числе драматургических столиц.
Имена 1990–2000-х
Во второй части лекции Дмитрий Тарасов перечислил имена важнейших для современного российского театра авторов. Этот список он начал с Людмилы Разумовской и Людмилы Петрушевской.
По его словам, работа Людмилы Разумовской «Дорогая Елена Сергеевна» — лучшая пьеса про подростков, написанная в 1980-х годах. Произведение почти сразу же запретили, но потом Эльдар Рязанов его экранизировал. Людмила Петрушевская написала «Московский хор» и другие важные для эпохи пьесы.
— Эти две прекрасные женщины «рулили» восьмидесятыми и девяностыми, и «рулят» до сих пор. Их пьесы «Счастье» или «Под одной крышей» до сих пор любят ставить в различных театральных институциях. Почему они важны? Потому, что они ввели такое понятие, как разговорный, или «телефонный» язык. Актёры на сцене стали разговаривать просто, без «высокого» слога и патетики, — говорит Дмитрий Тарасов. — Интерес драматурга сместился от событий к речи, язык стал очень важен. «Телефонный реализм», англицизмы, жаргонизмы появились в драматургии в этот период и стали развиваться дальше.
Екатеринбургский драматург Николай Коляда одним из первых стал рефлексировать на тему, как человек советский стал человеком постсоветского периода. Об этом все пьесы 1990-х: «Букет», «Амиго», «Рогатка». Общий подход здесь такой: «сначала посмеяться, потом поплакать». Многие ученики Коляды также стали успешными авторами. Олег Богаев прогремел пьесой «Русская народная почта», а Василий Сигарев перевернул театральный мир в 1999 году драмой «Пластилин».
В число значимых для 1990-х драматургов лектор включил Евгения Гришковца как первооткрывателя новой формы и жанра — «монологического театра», где автор, он же актёр, выступает перед аудиторией один на один, делится своими мыслями и переживаниями.
— Гришковец — один из тех, кто приближал суровую реальность к театру, благодаря ему театр перестал быть «нафталиновым». Кроме того, благодаря Гришковцу на театральной сцене появилась ностальгия по прошлой стране, «по детству, окрашенному в пастельные тона», — говорит Дмитрий Тарасов.
Нулевые стали временем поиска ответа на вопрос: «Во что верить?», — продолжает лектор. — В этом контексте велика важность пьес Ивана Вырыпаева, благодаря которому в пространстве общественной мысли появилась тема веры. Многие из его пьес были экранизированы: например, «Кислород» или «Танец Дели».
— Тот же «Кислород» — это рэп-версия Нагорной проповеди, — считает Дмитрий Тарасов. — Это 10 песен-заповедей о свободе, вере, жертвенности и героизме.
Любимая пьеса Вырыпаева у лектора — «Пьяные», герои которой объединены одним вечером и общим состоянием. В постановке Андрея Могучего в БДТ им. Товстоногова в этом спектакле использовалась необычная сценография с наклонной сценой и спортивными матами. По его словам, драматург стал одним из пионеров формата «бессобытийных» пьес — без конфликта и борьбы, с медитативным и даже трансовым повествованием.
Насилие и другие сюжеты современной драматургии
В 1990-х российские драматурги рефлексировали на тему трансформации советского человека в постсоветского и пытались найти что-то новое. В нулевых в театральном пространстве появился нарратив веры — не только религиозной, но и веры в будущее. А в 2010-х годах центральным сюжетом стала тема насилия, считает Дмитрий Тарасов.
Примеры популярных пьес, в которых она раскрывается: «Магазин» Олжаса Жанайдарова, а также «Серёжа очень тупой» и «Человек из Подольска» Дмитрия Данилова, выдержанные в жанре неоабсурдизма.
Главные герои пьесы «Магазин» — гастарбайтеры, а действие разворачивается в магазине, где работает продавщица из соседней страны. У неё отбирают паспорт и избивают. В пьесе «Серёжа очень тупой» курьеры приносят посылку главному герою, но не уходят. На обыденной фразе «Мы будем у вас в течение часа» строится весь сюжет. Насилие здесь в том, что ты не можешь выгнать чужих людей из своего собственного жилья. В «Человеке из Подольска» насилие приходит через культуру: героя забирают в полицию, и, чтобы выйти из участка, он должен показать знание численности населения Подольска и других значимых с точки зрения вопрошающих фактов о городе.
По мнению Дмитрия Тарасова, на метауровне эти пьесы красноречиво показывают, как политика может влиять на искусство, а искусство отражать изменения в обществе и менталитете. Чтобы глубже понять это взаимодействие и тенденции в драматургии, лектор порекомендовал слушателям прочитать книгу «Драма памяти» Павла Руднева.
Среди актуальных тем в драматургии на сегодняшний момент эксперт выделил два сюжета. Во-первых, это дискоммуникация, потеря контакта людей друг с другом вследствие появления гаджетов. Во-вторых, тема «вынужденного героя», совершающего поступки не по своему желанию, а из-за внешних обстоятельств.
— У нас сменилась оптика: мы теперь сопереживаем не герою, а его жертвам. Было бы интересно посмотреть того же «Гамлета» с точки зрения его мамы, которая просто хотела выйти замуж.
Ещё один жанр, который набирает сейчас обороты, — это стихотворные пьесы, что ещё раз подчёркивает важность темы языка в драматургии, говорит эксперт.
Что делать молодому драматургу?
В завершение лекции Дмитрий Тарасов и подключившаяся к ответам на вопросы Тоня Яблочкина посоветовали молодым драматургам, как наилучшим образом «продвинуть» свои произведения. По их мнению, главный инструмент для этого — участие в конкурсах. Например, в конкурсе «Реприза», арт-директорами которого являются гости Ельцин Центра. Это может помочь пьесе привлечь внимание, особенно если она пройдёт в длинный или короткий список конкурса. И разумеется, всегда работает такой классический «лифт», как учёба и мастер-классы: это возможность не только улучшить профессиональные навыки, но и установить контакты в театральной среде.
